Aunque nació en Barcelona, Alejandro Obregón se trasladó a los seis años con su familia a Barranquilla, ciudad natal de su padre, quien fundó allí una fábrica textil. Más tarde residió en Francia y en Nueva York, y a mediados de los años cincuenta regresó a Colombia con un lenguaje pictórico plenamente definido, caracterizado por la fuerza expresiva y el lirismo de sus imágenes. Durante su estancia en Francia, Obregón realiza Mesa del Gólgota (ca.1952), obra que marca un punto de inflexión en su carrera. En ella incorpora un lenguaje simbólico que perdurará en su producción posterior y se consolida como una pieza clave dentro de su etapa modernista de los años cincuenta. La pintura propone una interpretación intensa de la Pasión de Cristo: la corona de espinas, los clavos que sostienen un paño y el letrero INRI articulan una visión espiritual y fragmentada de la crucifixión, muy alejada de la representación tradicional. En 1955, Mesa del Gólgota se expone en la Unión Panamericana de Washington junto a otras obras de su periodo francés, como Tres copas. En esa ocasión, el reverendo Robert Hunsicker adquiere la obra para su colección privada en Nueva York, mientras que Alfred H. Barr, director del MoMA, compra Souvenir de Venecia (1954) para la colección del museo. Un año más tarde, Mesa del Gólgota obtiene un premio dotado con 50.000 ptas. en la III Bienal Hispanoamericana de Arte de Barcelona, y Obregón recibe el primer Premio Guggenheim con Estudiante muerto (1956). Ese mismo año participa en la I Bienal de Arte del Caribe y del Golfo de México, en Houston. Considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX en Colombia y Latinoamérica, Obregón renovó la tradición plástica e introdujo la modernidad en la escena artística del país. Su pintura —de manchas vigorosas y pinceladas expresivas— inspiró a figuras como Fernando Botero y Cecilia Porras, también presentes en la colección de la AECID, y marcó profundamente a generaciones posteriores. La crítica argentina Marta Traba lo definió como “el primer artista moderno colombiano” por la originalidad de su lenguaje pictórico. La obra fue prestada en 2011 a la Biblioteca Nacional de España para la exposición América Latina. 200 años de historias (1810–2010), organizada junto a Acción Cultural Española con motivo del bicentenario de las independencias americanas. Existe, al menos, otra versión posterior y de menor tamaño de Mesa del Gólgota reproducida a continuación. Otra versión: La mesa del Gólgota, Óleo sobre lienzo, 160 x 140 cm. 1956 Para más información consultar el catálogo: Blanco Conde, Mª. (2016). Catálogo de la colección artística de la Agencia. AECID.  Disponible en línea.

La Biblioteca de la AECID inaugura, el próximo 4 de febrero a las 17:00, la programación cultural de su nueva Sala Ágora con la exposición «Cartografía indígena». Esta muestra, centrada en la Amazonía occidental de Brasil, invita a repensar el mapa no como un instrumento de poder colonial, sino como una herramienta de memoria colectiva, resistencia política y ejercicio de derechos por parte de los pueblos originarios. A través de un recorrido por 45 mapas originales, 6 cuadernos de trabajo y registros audiovisuales, la exposición muestra cómo los pueblos Huni Kuin, Yawanawa, Ashaninka y otras comunidades del estado de Acre se han apropiado del lenguaje cartográfico desde la década de 1980. Lejos de las convenciones occidentales, estos mapas integran lugares sagrados, zonas de caza y memoria oral, construyendo una representación del territorio basada en la experiencia vivida y la sostenibilidad ambiental. La Sala Ágora nace con esta muestra como un nuevo foro público de la Biblioteca AECID destinado al intercambio cultural y la construcción colectiva del conocimiento. 📍 Información Práctica Lugar: Sala Ágora de la Biblioteca AECID (Avda. de los Reyes Católicos, 4, Madrid). Fechas: Inauguración el día 4 de febrero a las 17:00, y exposición abierta al público desde el 5 de febrero al 10 de abril de 2026. Horario de la exposición: Lunes a viernes, de 9:00 a 19:00 h (Último pase 18:30 h). Cerrado sábados, domingos y festivos. Entrada a la exposición: Libre y gratuita. Entrada a la inauguración: Es imprescindible la inscripción previa en este enlace 

La primera novela de Guinea Ecuatorial.  Un viaje por la selva, el amor, la muerte y la memoria. Un prodigio. Vicente Granados, en el prólogo a la edición de 1986 Diciembre: cerrar ciclos, abrir caminos nuevos. Diciembre invita a mirar atrás con memoria atenta, a reconocer los caminos recorridos y a imaginar lo que viene. En ese espíritu, la Biblioteca AECID propone como lectura para este mes de diciembre Ekomo, de la escritora ecuatoguineana María Nsué Angüe: una novela que se sitúa en la intersección entre tradición y cambio, memoria y futuro, en el corazón de la cultura fang de Guinea Ecuatorial. Publicada por primera vez en 1985, Ekomo es considerada no solo la primera novela escrita por una mujer de Guinea Ecuatorial, sino también una obra fundamental de la literatura hispanoafricana que explora temas universales a través de una voz profundamente singular. La novela se construye alrededor del relato de Nnanga, una mujer de la etnia fang cuya vida y mirada atraviesan tradición, rituales, dualidades culturales y el peso de las normas sociales. Para enfrentar la enfermedad de su esposo, Ekomo, Nnanga emprende un viaje que es al mismo tiempo real y simbólico, adentrándose en la selva y en los misterios de una cosmovisión que combina elementos cotidianos y mágicos. En ese periplo, la autora entrelaza historias de la naturaleza, mitos de creación, rituales de nacimiento y muerte, vudú, brujos y curanderos. Más allá de su trama, Ekomo es una reflexión sobre la memoria cultural y personal, sobre la relación entre pasado y presente, y sobre el lugar de la mujer en una sociedad en transformación. La voz de Nnanga, que narra en primera persona tanto sus vivencias como sus pensamientos, confronta las normas tradicionales con la búsqueda de identidad, resistencia y dignidad. En su dimensión simbólica, refleja la confrontación entre tradición y colonialismo, la vida y la muerte, el viaje interior y exterior, y la fuerza de las narraciones orales que sostienen a las comunidades. La escritura de María Nsué Angüe combina lo realista con lo mítico, produciendo una prosa que a veces rememora el ritmo de los relatos orales y que pone en valor las raíces culturales y espirituales del pueblo fang. En el contexto del cierre de año y de las celebraciones que nos convocan a repensar nuestras historias colectivas, esta obra nos ofrece una oportunidad para escuchar otras voces y otras memorias, para reconocer la pluralidad de experiencias humanas y para reflexionar sobre cómo los relatos individuales y comunitarios nutren nuestra comprensión del mundo y de la humanidad, en toda su riqueza. En la Biblioteca AECID encontrarás más ediciones y estudios sobre la autora, explora nuestro catálogo ¡o visítanos!

Luis González Robles, comisario de exposiciones del Instituto de Cultura Hispánica entre 1949 y 1984, fue pionero en la presentación en Madrid de la pintura primitivista americana con una exposición en el Museo de América en 1968, en un momento en que estas manifestaciones artísticas apenas se conocían y no tenían presencia ni en las galerías ni en los museos, su labor resultó decisiva para visibilizar este movimiento que defendió y promovió hasta su jubilación con varias muestras. Gracias a su iniciativa por educar al público en otros movimientos artísticos emergentes fuera de nuestro país tenemos un conjunto de obras que representan lo más destacado del arte naif latinoamericano del siglo XX. La autora de esta pintura, Rosa Pineda, forma parte de la escuela primitivista fundada en los años sesenta por el poeta nicaragüense Ernesto Cardenal (1925–2020) en un lugar entonces prácticamente desconocido: el archipiélago de Solentiname. Este conjunto de 36 islas volcánicas, situado en el extremo sureste del Gran Lago de Nicaragua —un vasto cuerpo de agua donde nadan tiburones de agua dulce y peces sierra, y donde el bosque tropical crece entre iguanas y venados— se convirtió en un centro artístico singular. Allí nació un movimiento pictórico basado en la observación del entorno, la vida comunitaria y una sensibilidad profundamente poética. Zainos en la otra orilla ejemplifica esa mirada: una naturaleza exuberante, colores vivos y una escena cotidiana elevada a visión íntima y casi idealizada, donde cada detalle invita a una lectura pausada. Durante los años ochenta, Nicaragua vivió el florecimiento del arte primitivista, la poesía de taller y diversas expresiones culturales antes reservadas a la élite intelectual. Pintores y poetas alcanzaron entonces una proyección nacional e internacional sin precedentes, participando en bienales, certámenes y exposiciones que llevaron esta estética a América y Europa. Rosa Pineda integró también exposiciones dedicadas a visibilizar el papel de la mujer artista en Nicaragua, junto a creadoras como Yelba Ubau, Hilda Vogl, Celia Lacayo, Patricia Belli o María Gallo, contribuyendo a ampliar el lenguaje visual desde una sensibilidad íntima, diversa y plenamente contemporánea. La obra estuvo depositada en el Museo de América desde noviembre de 1993 hasta febrero de 2010, fecha en la que regresó a la Agencia. Para más información consultar el catálogo: Blanco Conde, Mª. (2016). Catálogo de la colección artística de la Agencia. AECID. Disponible en línea. Portada de uno de los catálogos de la exposición primitivos actuales de América que también itineró por las Islas Canarias.